大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于产品摄像背景布置图怎么做的问题，于是小编就整理了1个相关介绍产品摄像背景布置图怎么做的解答，让我们一起看看吧。

1. 摄影中如何使拍摄的照片有主题？

1、摄影中如何使拍摄的照片有主题？

如何使你的照片主题鲜明，主体突出是摄影的一个很重要的问题。摄影是造型艺术，造型就要主题鲜明，要想主题鲜明，有时就要主体突出。即使在风光摄影中，虽然不像纪实或人像那样有一个很指向性的主体，但是仍然有一个相对比较突出的主体或主体群，这样你的摄影才能表达的鲜明生动。造型造型，营造有型的事物，营造就是布局和构图，本文主要从构图、用光、影调、光调、色彩等几个方面进行总结，难免有个人偏见，请批评指正。

一、构图

所谓构图，就是对镜头内的景物进行组织安排布局。主要取决于摄影的角度、视点、取景范围等。角度视点主要取决于观看事物时摄影者与景物之间在三维空间的位置关系，比如距离多远、高度多高、方向如何等，这是观察事物和摄影的最基本的问题，也就是抢占有力有利的地形。视点角度方向确定了，接下来就是选取镜头取景范围，也就是选取事物的哪一部分，突出事物的哪一方面。这不仅取决于镜头的焦距，有时也会因为摄影环境的开阔与否。摄影环境开阔，取景的自由度就高，反之就会低。关于怎样选取视点问题不做详细讨论，重点讨论一下如何在镜头内布局景物，就像如何在画布上作画一样。

我个人认为，不论你选择景物的那个侧面，都要选择这个景物在这个侧面的最有特点的部位进行表现。一个景物或事物，不管在什么方向上都会有一个最为生动形象的特点，把这个事物在这个方向上的特点表现出来就达到了造型的目的。其次，任何事物或者景物都有所谓的前后左右的方向问题，至少在你观察的位置上或者约定俗成的会有一个这样的方向问题。比如人，我们把面部朝向作为正面，就会分为正面、侧面、后面、上面、下面等。细分就会出现作前侧、右前侧、左后侧、右后侧等，俯视、仰视、还有前俯、后俯前仰、后仰等。

构图上最基本的构图方法有几何中心构图法和黄金分割点的“井字”构图法。几何中心构图法就是将主体安排在画面的中心位置，这种构图方法主要运用在具有左右、上下几何对称的主体事物当中，例如具有左右上下对称的建筑等构图中，一般左右对称的往往将主体安排在左右的中心点上，上下对称的主体安排在上下的中心点上。“井”字构图也就是根据主体的朝向将主体分别安排在“井”字的四个黄金分割点上。这两种构图是传统的基本的构图方法。由于黄金分割构图比较普遍，有时在拍摄具有对称的主体上也会运用上，比如，一个主体时左右对称有时会将主体或者主体重的主要表现部分即视觉重点（有时又叫视觉趣味点）安排在左右的中心偏上偏下的某个黄金分割点上，上下对称的主体或视觉中心也是如此。这两种构图是比较传统的具有内敛性质的构图基本方法。除了对称以外，还有平衡构图，就是主体和陪体在画面布局上看上去会感到左右重量的平稳，上下的平衡，给人以四平八稳的感觉。

拿人作为主体进行举例，我个人的做法是，将人放在一个立体的空间中，这个立体的空间是一个圆柱型的空间，在这里我只考虑左右的关系，上下的关系可以参照左右关系进行变通。这个圆柱以画面的中心为中心，以到左右黄金分割点为半径，一个站着的人则假想他在圆柱的边缘上，面部是向着圆柱中心轴的，当他面对你是不同的方向性时，可以考虑是他在圆柱上转动到不同的位置，正面对你和背对你的时候可以假想成是圆柱将人转动到这个位置，所以构图的时候人会在中心位置，当人是左或者右侧面的时候，人的面部正对画面的中心轴上，这样圆柱就将人转动到最左边或最右边，当人是左右前侧身看着你的时候，就假想是圆柱将人转动到了与你形成的这个位置，人的布局就要多少相中心位置偏移，这样相对就会感觉平稳和平衡。人的正面对着你越大越接近中心轴，最大值就是正对你，正面对着你越小，越偏离中心轴，最大值就是完全侧身对着你，在圆柱的左或者右的边缘上，也就是黄金分割点上。

这只是自己的个人构图方法，有时在拍摄过程中有时是不能完全遵照这种原则的，有时会因为主体的动作视线等好多因素进行综合考虑，大多数情况下只是大体上遵循这样的原则。这是单个人作为主体事物的时候，别的方面风景等构图可以参考这种构图方法灵活运用，而且主体或者主要视觉中心不同，构图的方法也会不同，比如我们拍人的全景的时候可以遵循这种原则或方法，如果是近景或者特写，则表现的主体或重点就不再是人而是人的表情或者人的人的眼神，因此这只是个人的一般的方法。当拍摄主体和重点不是单个而是有主体有陪体的时候就要将主体与陪体考虑进去综合布局，这样这个假想的圆柱就不再遵循黄金分割的位置关系，这要靠自己的感觉进行确定和安排。以上主要考虑和说明的是传统构图中最基本的两个构图方法，除了对称、平衡、黄金分割“井”字构图外，还有很多种，诸如：环形、S形、三角形等，除了对称平衡关系外，还有陪衬、对比、呼应等关系等，这些都是传统构图中比较注重考虑的布局和关系。

二、光影

艺术是表达宣泄感情的载体，摄影是光影的艺术，是用光作画，因此光影成为摄影除了构图以外的另一个表现因素。因为有了光，我们才能根据光影的分布进行构图，所以就摄影的本质来说是光影。所以用好光对摄影来说尤其重要，不论是图片摄影还是影视摄影。在色彩未参与摄影的黑白摄影时期，光影是表达感情的一个根本因素。光影分为影调和光调两个部分，笼统上都可以称为影调，两者之间有着非常细微的差别，往往统称为影调，但是这两个的侧重点有所不同。影调往往侧重画面的整体调子，光调往往更加具体，主要指光与影的具体分布也就是光的阶梯分布性质，色彩参与摄影后，在影调的基础上有产生出色调。（我的这种说法不知是否科学，因为是信手写来，还有待大家指正。根据画面的明暗成分的多少，影调分为高调、中间调和低调，也称亮调、中间调和暗调，根据明暗的对比强弱，分为硬调、中间调和软调。这两种调子所指是不同的，亮暗调主要指的是影调，硬软调主要指的是光调。一般来说，亮调表达的情绪明快、积极、向上，但是也会给人浅薄不厚重深刻的感觉，暗调表达情绪抑郁、阴暗、沉重的情绪。硬调表达的情绪结实、厚重、有质感、矛盾关系尖锐，是一种冲突而不是抵触。软调表达轻快、矛盾关系表现平缓，是一种抵触而不是冲突。影调光调的风格形成主要由客观和主观光线、质感两种因素有关。光线决定影调光调，决定了画面情绪的表达。同时作为构图因素，也是构图中考虑的重要因素。在画面中，不论什么样的画面，我们所要表达的主体或主要部分，主要内容都会在一定的环境当中，因此，任何一幅摄影作品都会有背景，这也是现实存在的必然，因此怎样正确处理好主体与背景的关系成为构图考虑的重要内容。我们往往为了突出主体或重要部分，往往把主体放在反差比较大的背景上，这样我们表达的主体就会鲜明生动，有立体感。因此构图上考虑光影就成为突出主体的一个非常重要的手段。一般情况下，明和暗往往具有这样的感觉和性质，亮的事物往往给人明快、活泼、开阔、扩展、向后纵深退缩的感觉，暗的事物往往给人沉重、抑郁、内敛、顽固、向前的感觉。因此，在构图上，我们常常将暗的事物放到亮的背景上，比如剪影；或者将亮的事物放在暗的背景上，比如火光、烟火、日出等等，将具有明暗分布的主体放到反差相反的背景或者具有中间调子的背景上。因此，要想将主体表达生动，往往注意将主体和背景分离。其中光影的运用也是一个非常重要的因素。

三、色彩

色彩除了真切还原物体的本来面目使人获得正常的视觉感受以外，也是最为重要的情绪元素。在色彩未进入摄影以来，情绪的表达主要依赖于影调的营造。色彩一旦进入摄影，就成为摄影中最为重要的情绪元。色彩与光影共同形成摄影的视觉造型重要载体。因此在彩色摄影中，我们讨论摄影的情绪表达一般会讨论画面的影调和色调两个方面。

影调已经在上面讲过，单就色调来说，一般分为暖调、冷调，当然也有中间调，但是由于色彩的鲜明性，一个摄影画面中很难做到冷色和暖色均衡，因此大部分的彩色摄影中都会有一种色调的倾向性。色调的倾向性决定了表达画面艺术感情的倾向性。色彩的运用还能够体现画面的旋律，形成和谐统一的节奏。所有的艺术都是具有节奏的，旋律和节奏决定了感情表达的起伏。因此，一部好的艺术作品，往往非常注重旋律节奏的和谐统一和节奏上的变化。摄影镜头的运用，往往使摄影的主体透视关系形成感觉的不同。因而使摄影风格形成独特的风格。大家知道的常识就是，广角夸大了主体与背景前景的位置关系，夸大了视觉透视感觉上的效果，往往产生纵深感，是画面更加有层次。长焦镜头压缩了主体与背景。前景的位置关系，使画面产生靠近和拥挤的感觉。同时，由于镜头的不同也会产生景深的不同，广角产生纵深的景深，景深范围大，长焦往往景深浅，因而会使前景和背景模糊甚至完全虚掉。广角视角大，包括较大的范围，长焦视角窄，往往包括范围较小。为了突出摄影主体的特点，我们往往选择比较合适的镜头进行创作。比如，表现广阔的空间、风光，显示磅礴的气势，或者突出主体在前方的位置，我们往往用广角增强这种效果。为了表现空间的拥挤或者特别强调主体的特点，往往用长焦，将主体进行特别的强调突出，进行虚化背景。我个人还认为，通常所说的那种景深镜头往往更加具有纪实风格，表达的含义更加客观真实，摄影者个人的主观干预较少。长焦镜头由于突出了主体的特征，具有较大的主观性，因此感觉具有较强的个人主观感情和风格，长焦表达的往往是一种心理因素起作用的影像，比如浪漫等性质。有时为了表达某种构图形式的美感，这种长焦往往会形成一种平面化的几何图案的视觉风格，构图简洁使画面形成一种的抽象的感觉。广角往往强调的是主体与陪体的大小对比关系，长焦强调的是主体与背景前景的虚实对比关系。

四、运动

除了镜头上景深的大小虚实对比能够是主体更加鲜明突出外，运动的对比往往也会使主体更加突出。为了使表达的主体鲜明突出，我们往往会利用运动进行表达，有些干脆是表达运动。当然，所有的艺术都是在表达运动和节奏，节奏就是运动的一种外化形式。只不过，摄影表达的运动是一种运动状态、运动趋势、运动瞬间，是凝固了的运动。为了表达运动，有时会通过运动的环境表达静止的主体，比如加长曝光时间拍摄路面中间的岗亭，那么路上行驶的车辆就会形成运动的虚像，晚上会形成光带的脱影。有时为了表达运动的主体跟拍运动的主体，用较短的曝光时间来凝固运动的主体，而背景则形成虚的脱影，比如跟拍行驶的车辆或者运动中的足球运动员。有时让主体模糊纪录被摄主体表达主体的运动，比如拍摄夜晚的车流，使公路上的车流形成光带的河流，延长曝光时间，时瀑布形成白色的柔和的丝带感觉。有时又会通过凝固主体运动的瞬间，表现主体的本质和精神，如，高速拍摄子弹穿透苹果，使人能够充分认识了飞速运动中子弹的某一个瞬间的状态，迅速扑捉某一个战士中弹一刹那的状态，表现战争的残酷和战士的英勇精神等等。因此，摄影的表达速度，使我们看到了运动着的主体事物的状态和本质面貌。有时，摄影的本质其实就是在纪录各种事物的本质和精神，而这种本质和精神恰恰是通过运动表达出来的，因此表达运动成为摄影求真求实的一种更高的要求。所有的艺术都是在描述、表达、表现运动。摄影作为艺术的一个门类也不例外。因此，本质上摄影表达的都是事物运动状态这一事物的实质。大家可能认为风光摄影和人像摄影表达运动不是很强烈，其实不然，风光摄影中风光的奇观是表达的是地球地质的变化、四季的更替的运动；人像摄影中表达的是人的行为和精神活动这一精神运动。因此在人像摄影中，准确细腻的抓取人物细微的表情，更能够反映人的精神面貌，因此著名的摄影大师都非常注意抓取人的最为生动细微的感情的那一个方面，而那一个方面往往也是最为人最为真实的一面。比如抓取痛不欲生的表情和动作可以反映人们痛失亲人的悲痛，反映人类崇高的亲情，抓取细微的羞涩与喜悦表情可以表达少女初恋的幸福温馨和反映爱情对人类的影响等等。因此，人像摄影高的境界不是模特的姿势摆的如何优美而是在优美的外表下一颗崇高的心灵。

希望对各位有用。

拍照片，本质上就是记录和表达，不要强迫自己去套什么主题而拍摄，那应该是专业摄影师的事情

摄影，只要是你认为具有“美感”的画面，喜怒哀乐的社会人文，风光秀丽的山川和城市，美女和俊男，野兽和飞禽，花花草草，万事万物。。。。。。都可以拍下来，它们都是你所见证的世界

拍多了，有空整理一下，你的摄影主题自然而然就全有了

一、来自生活中的创作灵感

摄影就是人生，“拍照”和“活着”是一样的。日常生活的琐碎片段，都是我们寻找和发现日常生活里那些经常的平凡之美。

　　摄影改变了我观看世界的方法。喜欢摄影的朋友都会有相同的经历，只要相机在手，我们就会有意识地寻找可拍摄的画面，观察一个建筑的线条，一朵花的色彩，一朵云的形状，一个陌生路人的表情，一滩积水里的倒影，慢慢地，这种有意识的寻找就会变成一种习惯， 练就我们的一双摄影眼。

　　摄影第一步就是随时拿起相机，随时准备好拍摄的姿态，随时发现无处不在瞬间的生活之美。学习摄影以前走路是目不斜视、匆匆忙忙，学摄影后除了东张西望，还会经常抬头看看，低头瞅瞅，甚至还会在路边等待发现美好的一刻瞬间。

二、拍摄创作自己喜欢领域的作品

　　摄影的特点就是以小见大，见微知著，一幅成功的摄影作品应该是把平凡的题材拍摄得不平凡。所以我觉得几乎你身边的所有物件都可以成为拍摄的主体。但是我建议选择自己喜欢的东西入手， 比如我就特别喜欢花草树木， 每次面对这些大自然里的美好， 拍摄的过程特别愉快，常常觉得时间不知不觉就溜走了，学会去享受摄影的过程。有时，生活里的某个场景某个瞬间会突然触动我们，让我们想起读过的诗，唱过的歌，画过的画，看过的电影甚至是做过的梦，这个时候慢下你的脚步，试着用相机去捕捉这种感受。摄影绝不是为了机械地复制客观世界，更多的是为了表达我们的感受和思想，从而让我们关注自己的内心感受，对生活，对外部的世界都要随时保持一种觉知，这种觉知会让我们变得敏感和有洞察力，这样才会让照片打动人。每个人的生命经验不一样，喜好性格不一样，感受不一样，思考的视角不一样，别人告诉你拍什么不重要，重要的是跟随你的心，拿起你的相机拍摄打动你的瞬间。

以上就是关于拍摄创作给大家的一些建议：拍摄自己喜欢的东西，拍摄打动自己的瞬间。

三、合理用光技巧

　　大家都知道摄影是一门用光的艺术，因此对光线的掌控更显得重要，靠光线来制造光影，突出主体，营造气氛，烘托情绪来达到艺术效果。

1.顺光：指光线的投射方向和摄影机的拍摄方向一致或者基本一致。阴影被遮挡在人物后面，在画面的构成上没有明显的明暗关系。顺光使被摄体亮度均匀柔和，也更容易遮挡皮肤瑕疵，而与此同时也会缺乏立体感和塑形感，顺光拍人像容易拍成大饼脸。当拍摄的自然风光没有足够漂亮的色彩是不建议使用顺光来拍摄的。

2.逆光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向是相反的。主体的边缘有明显的光线轮廓，画面有明显的明暗反差。逆光又被称为“轮廓照明”， 是摄影中最讲究的一种用光方式，画面效果十分生动，且富有造型特点。

3.侧面光：是一种极佳的拍摄风景，塑造纹理的光线。经常会形成强烈的阴影，在拍摄人物的时候会塑造出一种比较深刻的光影。

　　摄影和光线密不可分的关系，如果说把摄影师的相机比做画笔，那么光线就是他的油彩，学好摄影的第一步就是要学会运用光线。要培养自己对光线的敏感，在按下快门之前问问自己这是顺光还是逆光，光线是否太硬？会不会太亮或是太暗？该让光从哪里照射过来？如果光线不够好，那么要怎么改善它，调节设置还是调节角度等等。

以上就是本人对摄影主题创作的粗浅认识，总之围绕主题，主体，用光构思布局以及作品带来共鸣是摄影创作的几个方面，只要把好这几个因素，会有好的摄影作品诞生。

首先你在拍摄时是明白你主要是拍什么，哪种景物打动了你，确定了你想要表达的主体，然后再确定陪衬，俗话说红花绿叶配就是这个意思

要想使拍摄的照片有主题，说得直白一点，就是对准备拍摄的一幅照片要有自己的想法，想记述什么、说明什么、表达什么，不仅要使自己心里明白，也要让外人看得清楚，如此一来，方能体现照片的完整性和表现力。具体地讲，可以从以下三个方面入手：

一是心有所想，要有预见性。要想拍摄一个好的主题照片，就要提前构思，必要时可以进行策划、导拍，同时要有先见之明。比如说，我们将要进入到一个预拍地点，首先要对预拍地点里的人物、景色、活动等，要提前了解，最起码对自己到这里来想要干什么，要做到明知。当然，不排除临时突发奇想，现场有感而发，抓住机会拍出好的主题照片也是可能的。

二是行有所为，要有操作性。当好的主题确定后，要通过一幅或多幅照片完整地表现出来，在实际操作中要尽可能地围绕主题多拍些照片，为选择好的主题照片留有余地。当然，选定好的主题要易于操作，不能主题想得很好，但实际无法进行操作，到头来也只能是空想，做无用功。比如，要想拍一个俯瞰宏大场面的活动现场，总想着用无人机进行拍摄效果肯定不错，但事实是没有无人机，怎么办？那就是要占领有利位置，抢住先机，尽可能保证拍摄主题的实际效果。

三是题有所指，要有确定性。对拍摄什样的主题，要有内心确信，不能朝三暮四、朝令夕改，随意性太大。这样的话，就不能保证拍摄主题的突出，更不能保证拍摄主题的效果。所以，要紧紧围绕拍摄的主题做文章，多从画面构思、人物设置、主题表现上入手。正常情况下，只要勤思多想常练习，拍摄好的主题照片指日可待。

麻雀虽小，肝胆俱全。别看只是一张小小的照片，他也是一件艺术品。因此，摄影也具有一般艺朮行为的共同特征，比如摄影作品，同样也有如何突出主题的问题。

什么是主题？摄影者主张照片要反应的艺术观，价值观，乃至政治，宗教，生活等领域的思想表白。掇影作品唯有突出主题才能达到主张观点的目的。比如你想宣扬北京是个古都，你就会用一个广角的视野，在香山上俯拍出故宫的全貌。

怎样突出照片的主题呢？首先，在构图上要掌推一些常用的技巧方法。

1.去掉或虚化影响主体的繁杂背景，突出捐摄主体。

2.利用好对比衬托法，就是利用各种对比方法突出主体形象。常用的对比有动静对比、方向对比等等。

3.利用好前景或背景，突出主体。如果有线条可以利用指引突出主体，可把主体放在透视中心利用线条的指引突出主体。

4.利用好光影突出主体，做到主体明亮，背景虚暗。

5.利用大小关系，突出主体。否则别人不知道你到底要反映什么。

其次，在色彩上做文章，色彩是渲染情绪和气氛的重要条件。作品的主题思想及情绪可以依赖色彩来体现。冷暖是人们对颜色的色彩感受，暖调主要选用红色、橙色、黄色等暖色作为画面的主色调，照片有着视觉的扩张感。暖调的画面给人感觉是温暖、热情、活力、兴奋的视觉感受，而冷调主要以蓝色、青色、绿色等色彩为主，照片具有额暖调相反的视觉压缩感，画面给人的感觉就是干净、清爽、清雅、深邃的视觉感受。

再者，树立牢固的突出主题的创作思想也是突出主题的重要艺朮观点。个性的张扬可达到震撼的目的。如汶川地震时，解放军从废墟中救出了一个小朋友，小朋友躺在担架上，他睁眼的那一刹那，向救援的解放军叔叔敬了个礼，被记者拍到，发表后受到全国人民关注，很好地表了党和政府爱人民，全力抡救灾民的主题。这一主题产生的深刻影响，至今仍在。在今年庆70周年的庆典游行队伍中，当年那个敬礼的小朋友在彩车上非常阳光的佝我们敬礼！向党和祖国敬礼！见到这个画面，我热泪盈眶，不由引起了对党对国对解放军的深深热爱。更深刻地认识到了照片突出主题的重要性。

因此，摄影作品照片有鲜明的主题才是作品成功的重要标志。作为摄影者，我们要不断强学习文艺创作理沦，不断实践追求有高度的境界。

好照片要具备三个要素：主题明确、主体突出，画面简洁。主题是一幅好照片的灵魂，就题材而言，拍摄一幅照片，首先要构思，使主题明确，让读者知道你要表达啥，这样才是一幅成功的摄影作品。

大家想要自已的照片有看点